Die Um- und Neunutzung alltäglicher Dinge und Orte ermöglicht eine Vielzahl neuer Lesarten und Sichtweisen. Die faszinierende Kulisse der Kirche Sankt Michael diente den jungen Architekt*innen und Gestalter*innen der Peter Behrens School of Arts der Hochschule Düsseldorf im Januar 2020 als Raum für künstlerisch visualisierte Experimente.

Die Themen Einheit und Vielfalt, Gemeinde und Gemeinschaft werden mit der partizipativen Installation «Lux Ovalis» vor dem Hintergrund grundlegender Parametern der zwei- und dreidimensionalen Gestaltung – Fläche, Farbe, Form, Struktur und Material – in den Raum übersetzt. Die Besucher*innen waren eingeladen mit den drei Grundfarben zu experimentieren und eines von rund 6.000 Fläschchen mit Farbe zu befüllen. Dadurch entsteht eine bunte Vielfalt als Symbol für die menschliche Diversität.

Die Installation wurde erstmalig im Rahmen der Passagen vom 13.–19. Januar 2020 in der Kirche St. Michael in Köln gezeigt. Ein weiteres Mal lud «Lux Ovalis» vom 30. September bis 27. Oktober in der Kirche St. Urbanus in Gelsenkirchen zum mitmachen ein. Weitere Stationen sind für 2021 bereits in Planung.

In diesem Experiment befassten wir uns mit den szenografischen Ausdrucksmitteln ausgewählter Gestalterinnen und Gestalter. Die entsprechend analysierten Strategien, Medien, Material- und Raumkonzepte, sowie Wirkungsweisen wurden, im Rahmen eigener szenografischer Experimente, in räumliche Inszenierungen übertragen. Zu diesem Zweck wurden 60 Modelle (1:10) entworfen und studiert, sowie eine Auswahl von drei szenografischen Skulpturen in den Maßstab 1:1 übertragen. Das Experiment Convertible Spaces erlaubte uns neue Blickwinkel einzunehmen und die darin erforschten Ergebnisse, bestehend aus Wirkungsweisen der Inszenierung, zu überprüfen.

Convertible Spaces ist Teil des BMBF Forschungsprojekt „Objekt und Inszenierung — Experimentelle Szenografie“ des edi—Exhibition Design Institute der Hochschule Düsseldorf.

Mit dem szenografischen Beitrag der Peter Behrens School of Arts im Rahmen der 17. Ausgabe des traditionsreichen «Designers Saturday» reagierten die jungen Gestalter inhaltlich und künstlerisch auf den Ort der Alten Mühle. Das Konzept widmete sich ganz direkt dem Mehl und dem Brot und seiner Bedeutung für die Gesellschaft. Die räumliche Inszenierung irritierte die Besucher bewusst in ihren Sehgewohnheiten und schärfte dadurch den Blick auf eines unserer wichtigsten Kulturgüter. Durch künstlerisch visualisierte Küchenexperimente erschließt sich die Welt des Brot-Backens wieder neu. Was ist wichtig, welches Verhältnis der Zutaten ist nötig? Welche Tradition bestimmt das Backen von Brot: die anthropologische Konstante, die Kulturtechnik, das Handwerk, die Ästhetik und Praxis. Entlang einer langen Tafel entzifferte sich das Wissen um Getreide, Korn, Mahlen, Mehl, Salz und Wasser.

Das Projekt wurde durch eine international besetzte Fachjury mit einem DS Award, einer «Special Mention», geehrt sowie als «Finalist» beim aed neuland Nachwuchs-Wettbewerb 2019 ausgezeichnet.

Helmut Kohl ist tot. Die BRD häutet sich. Die rasenden Veränderungen der Welt, die nebelige Verunsicherung der Menschen in Deutschland, die Gegenwart muss mit Kunst bezwungen und gefasst werden. Ist das noch Satire oder schon Revolution? Diese Frage werfen Jan Böhmermann und seine Partner der Kreativschmiede Bildundtonfabrik vom 24. November 2017 bis 4. Februar 2018 mit ihrer gemeinsamen Ausstellung im NRW-Forum Düsseldorf auf. Im Herbst des Megawahljahres 2017 zementiert das Kollektiv hinter dem Neo Magazin Royale mithilfe der bildenden Kunst den Status Quo Deutschlands und geht der Frage nach «wenn das alles echt und kein quatsch ist in was für eine zeit & land & welt leben wir überhaupt»?

Dieses Projekt ist eine Ausstellung von Jan Böhmermann, btf und edi.

Die Master-Abschlussarbeit set now — ausstellung ausstellen bündelt die Forschungsergebnisse und Erkenntnisse zur sogenannten Neuen Ausstellungsgestaltung. Anlass für die mannigfaltige Auseinandersetzung mit dem Medium Ausstellung gab die redaktionelle Mitarbeit an der nunmehr dritten Ausgabe der Buchreihe ‹New Exhibition Design / Neue Ausstellungsgestaltung›, herausgegeben durch Uwe J. Reinhardt und Philipp Teufel. Die Suche nach dem Neuen Ausstellen setzte sich mit dem ‹Exhibition Design Reader›, einer Sammlung klassischer und zeitgenössischer Literatur zur Ausstellungstheorie, sowie dem Symposium ‹entweder oder. sowohl als auch. dazwischen.› mit internationalen Gastrednern und Vertretern verschiedenster Disziplinen im Dialog über neue Trends und Tendenzen in der Ausstellungsgestaltung fort.

Hinstellen oder Ausstellen? set now spiegelt und dokumentiert den Status quo der Ausstellungsgestaltung. Im Sinne eines Applied Research machen räumliche und gestalterische Zitate sowie Interviews mit renommierten Architekten, Designer, Kuratoren, Künstler und Wissenschaftler das Ausstellen vielschichtig erfahr- und nachvollziehbar. An Stelle von Podest, Tisch und Vitrine werden Baustoffe und Lagertechnik de-kontextualisiert und zweckentfremdet, um das Prozesshafte des Ausstellungsmachens zu betonen. Die Ausstellungsarchitektur steht dabei in enger Wechselbeziehung zu Materialbeschreibungen, Normen und Richtlinien. Der Umgang mit Raum, Objekt und Text nimmt Bezug auf die Arbeit des belgischen Künstlers Marcel Broodthaers, der mit Wort-Bild-Beziehungen, Sprachbildern und Bildsprache, Zeichen und Bezeichnetem bereits in den siebziger Jahren die Rolle des Museums und des Kunstbetriebs hinterfragte.

Die Hochschule Düsseldorf bezieht mit einem neu erbauten Campus-Komplex das Areal eines ehemaligen städtischen Schlacht- und Viehhof und zugleich einen temporären Ort des Schreckens in der Zeit des Nationalsozialismus. Als Zeichen der Verantwortung gegenüber der Geschichte dieses locus terribilis wird mit behutsamen Maßnahmen aus einer denkmalgeschützten Markthalle für Großvieh eine Gedenkstätte zur Erinnerung an die Opfer des Nationalsozialismus – ein Denk- und Rückzugsort inmitten des Studienalltags. In Gedenken an die vom Schlachthof deportierten jüdischen Frauen, Männer und Kinder stehen individuelle Geschichten und Schicksale von Opfern und Tätern, von Zuschauern und Profiteuren im Fokus des Erinnerungsortes, während das historische Gebäude selbst das größte Exponat darstellt.

Im Außenbereich zeigt ein hinterleuchteter Pult auf über neun Metern die geschichtliche Entwicklung des Ortes vor und nach 1945. Im Innenbereich trennt ein Gitterrost die Ausstellungsfläche in zwei Ebenen. Durch die großzügigen Glasflächen wird der Ausstellungsbereich zum Schaukasten und soll durch die plakative Bespielung von 144 Wechselrahmen zur Auseinandersetzung anregen. Die untere Ebene fungiert hingegen als fest installierter Bereich zur Vertiefung der Inhalte mit Zugriff auf eine digitale Datenbank. Die Ausführung der Ausstellungsmöbel ist der Thematik entsprechend zurückhaltend, erzeugt jedoch durch eine technisch-futuristische Anmutung des Materials und der Formgebung ein Spannungsfeld zwischen dem historischem Gebäude und der Moderne. Alle eingesetzten Medien sind modular bespielbar und schaffen durch wechselnde Inhalte einen lebendigen Ort der Erinnerung. Ergänzend werden regelmäßig Lesungen, Vorträge und Workshops organisiert.

Das Projekt wurde im Rahmen des Bayerischen Staatspreises im BWM Museum München ausgestellt.

Das Projekt phono/graph fördert den gestalterischen und kulturellen Austausch zwischen Künstlern und Designern aus Japan und Deutschland und ist die Fortführung einer fruchtbaren Zusammenarbeit der FH Düsseldorf mit der DNP Foundation for Cultural Promotion.

Grenzen in alle möglichen Richtungen zu überschreiten, ist dabei der Kerngedanke. Hören trifft sehen, sprechen trifft schreiben, schreiben trifft hören, Optik trifft Klang, Klangerfahrung trifft Experiment, Künstler treffen Designer, Ausstellungsdesigner treffen Grafikdesigner, Japaner treffen Deutsche, Ost trifft West, analog trifft digital, Auseinandersetzung trifft Verknüpfung, Neugier trifft Forschung.

Das Forschungsprojekt des Exhibition Design Institutes (edi) der Fh Düsseldorf führt unterschiedliche gestalterische Disziplinen, kulturelle Prägungen und Sichtweisen zusammen. Künstler, Designer und Architekten entwickelten die Ausstellung mit den Forschungsergebnissen in Kooperation zwischen Deutschland und Japan innerhalb eines Jahres.

Die von dem Künstler Yukio Fujimoto kuratierte Ausstellung ist eine erweiterte Version einer Ausstellung gleichnamigen Titels, die 2011 in der ddd Gallery in der japanischen Stadt Osaka gezeigt wurde. Neben den in Osaka präsentierten Arbeiten werden auch neue Objekte der dort beteiligten Künstler und Designer präsentiert. Hinzu kommen Arbeiten von Studenten der FH-Düsseldorf. phono/graph - sound letters graphics ist eine interaktive Ausstellung. Die Ausstellungsarchitektur ermöglicht dem Besucher eine aktive Auseinandersetzung mit den Arbeiten. Er kann sie anfassen, mit ihnen experimentieren und
interagieren und durch die eigenen Erfahrungen ein intensives Hören und Sehen erleben.

An der Fachhochschule Dortmund und der Fachhochschule Düsseldorf wurde über zwei Semester in vier Seminaren am Projekt gearbeitet.

95 Olé. Im Jahr 2020 feiert der Düsseldorfer Turn- und Sportverein Fortuna 1895 125-jähriges Bestehen. Eine bewegende Historie voller Tradition und Emotion.

Erste Halbzeit: Die Wahrheit liegt auf dem Platz oder in der Ausstellung!? (frei nach Otto Rehhagel)

Studierende des Master-Studiengang «Exhibition Design» entwickelten das Ausstellungskonzept für die Jubiläumsausstellung der Fortuna Düsseldorf. Auf Basis der Archivsammlung wurde ein Ausstellungskonzept gestaltet, das die wichtigsten Ereignisse der Fortuna für die Besucher erlebbar macht. Der sogenannten Fortuna DNA folgend, werden die elementaren Eckpfeiler Tradition, Heimat, Gemeinschaft und Respekt reflektiert und gleichsam als Dramaturgie für fünf räumliche Situationen benutzt: Die Stadt, die Mannschaft, das Stadion, der Verein und die Fans. Auf Grund der nach wie vor anhaltenden Pandemie-Situation konnte die Ausstellung bisher nicht realisiert werden.

Zweite Halbzeit: Die Festschrift. F95 Olé.

In Zusammenarbeit zwischen der Fortuna Düsseldorf, dem Fachbereich Design der Hochschule Düsseldorf und der Design-Agentur neospektiv entstand eine 1008 Seiten starke und rund 5 kg schwere Jubiläumsschrift im Überformat, verteilt auf zwei Bände, die sich chronologisch mit den Jahren 1895 bis 1971 beziehungsweise mit der Zeit von 1971 bis 2020 befassen. Zeitlos elegant und gleichzeitig erfrischend modern: Die Bücher sind in rotem Leinen gebunden, alle drei Umschlagflächen mit einer filigranen Blindprägung versehen und der Buchkörper spielt sich – Flanke, Kopfball, Tor – schlussendlich in die Königsklasse: ein strahlend roter Farbschnitt macht den «roten Block» komplett. Der geübte Betrachter wird einen weiteren Leckerbissen entdecken: das Werk ist mit einem roten Farbfaden gebunden. Die beiden gewichtigen Bücher schmiegen sich in einen passgenauen Schuber und stehen als perfekte Einheit hinter der Mannschaft – in allen sportlichen Höhen und Tiefen.

Es braucht bloß eine einfache Wischbewegung und schon erscheint uns eine Flut von aktuellen Informationen und Nachrichten auf dem Display. Das Filtern erscheint mühselig, doch eines haben die meisten Mitteilungen gemeinsam: Es sind keine frohen Botschaften. Die Welt brennt.

Missstände, die sich über mehrere Jahrzehnte angekündigt haben, nehmen zunehmend Gestalt an. Ersichtlich am Klimawandel, dem Artensterben, der Wohnungsnot und der Massentierhaltung. Aber auch jüngst entstandene ethische Fragen, die der Digitalisierung und der künstlichen Intelligenzen bleiben ungeklärt. Jede*r weiß inzwischen, dass dringend aktives Handeln gefordert ist, doch wo beginnt man? Wer macht den ersten Schritt? Welches Problem scheint am größten? Wie bewirkt man überhaupt etwas? Diesen Gedanken sind wir nachgegangen. Dabei legten wir unseren Schwerpunkt auf die kleinen aber feinen Problemlösungs-Strategien, die zeigen, dass auch kurze Schritte – gegangen von Vielen – eine große Reichweite erzielen können.

Unsere Analyse trug uns von der Recherche, zur Planung und Entwurf, über Produktion und Ausführung und mündet in der vollumfänglichen Entstehung unserer temporären Ausstellung ‚pull to refresh‘.

Spatial Strategies beschäftigte sich, als Rauminstallation im Sinne eines wachsenden und sich stets verändernden Labors, intensiv mit szenografischen Strategien zwischen Skulptur, Zeichnung und Raum. Untersucht wurden, in zahlreichen Settings, die Grenzen zwischen einer zweidimensionalen Bildauffassung und der dreidimensionalen Raumintervention. Experimentell übersetzten und studierten wir zweidimensionale Linien, Formen, Flächen, Collagen und Strukturen mit Hilfe unterschiedlichster Materialien im Raum. Das Experiment Spatial Strategies wurde im Kasseler Kunstverein durchgeführt.

Spatial Strategies ist Teil des BMBF Forschungsprojekt „Objekt und Inszenierung — Experimentelle Szenografie“ des edi—Exhibition Design Institute der Hochschule Düsseldorf.

Der Fachbereich Design der Hochschule Düsseldorf hat es sich zur Aufgabe gemacht den umfangreichen künstlerischen Nachlass von Rudi Assmann, ehemaliger Professor für Zeichnerische Gestaltung und Illustration, zu archivieren und einen Auszug aus Werk und Lehre erstmals öffentlich zugänglich zu machen. Die Ausstellung sowie der begleitende Katalog mit Zeichnungen, Texten, Aufgaben und Regeln stellen eine komprimierte Darstellung seines Schaffens dar und sollen Schauwert und Denkanstoß für die gegenwärtige Gestaltung geben.

Die Inszenierung in den Räumlichkeiten der Ninasagt Galerie fungierte im wahrsten Sinne des Wortes als Schaukasten: In Anlehnung an das flexible, mit dem Weißraum spielende Raster der Publikation werden ausgewählte Arbeiten frei in den Raum gebracht — die Wandabwicklung ordnet die figürlichen Darstellungen dabei nach dem formalen Kriterium ‹von stehend bis liegend›.

Unauffällig oder extravagant, zurückhaltend oder aufreizend, monochrom oder bunt, slim oder loose, sportlich oder elegant – oder doch von allem ein bisschen: Outfits zufällig beobachteter Passanten wurden künstlerisch in körperumfassenden Schmuckstücke bis hin zu abstrakt-futuristische Kopfbedeckungen übersetzt. Wo hört Mode auf und wo fängt Schmuck an – oder umgekehrt? Die Ausstellung «AND» zeigt aktuelle Positionen und persönliche Interpretationen der Studierenden des Studiengang «Applied Art and Design» auf dem schmalen Grad zwischen Kunst und Kommerz, zwischen Mode und Schmuck – der Besucher wird in dieser Ausstellung letztlich selbst zum Flaneur.

Die Ausstellung fand im Rahmen der «The NRW Design Issue: Temporary.» statt.

Geschehnisse und Entwicklungen im Bereich der künstlichen Intelligenzen und deren Implementierung in die Gesellschaft, sowie insbesondere der beobachtete, leichtfertige Umgang der Gesellschaft mit den aufkommenden kulturellen Transformationen, werden in den Kontext einer spirituellen Bewegung gehoben. Ziel ist das Aufzeigen der existierenden und vorausgesehenen Realität und die humoristische Entwicklung einer Zukunftsvision für eben diese Realität, in der ein satirisches Moment der Verdeutlichung der kritischen Position dient.

Das Kuratierte Studium versammelte in Kooperation mit der IBA Thüringen im über 120 Studierende der Peter Behrens School of Arts in Apolda. Das Bundesland Thüringen bildet unter dem Titel «STADTLAND» während der Kooperation für die Studios den übergeordneten Denkraum, der eine Arbeit am Zukünftigen möglich macht. Aus der Analyse der Entwürfe und Visionen der Studierenden entwickelte sich die Ausstellung «SPIELSTÄDTE! 100+ Optionen für Thüringens Zukunft». In ihr werden zentrale Themen der Stadtentwicklung neu verhandelt, wobei interdisziplinäre Entwurfsgruppen Visionen und Möglichkeitsräume produzierten und ihren Inhalt als Konzentrationspunkte auf 9 Spielbahnen demonstrieren.

März 1973: Gerüchte werden laut, die Mannesmannröhren-Werke AG plane an der Berger Allee den Abriss einiger Jugendstilhäuser, um an deren Stelle ein modernes Verwaltungsgebäude zu errichten. Unter dem Namen ‹Rettet unsere Stadt jetzt – Aktion Berger Allee› formiert sich eine der ersten Düsseldorfer Bürgerinitiativen, um für den Erhalt des Jugendstilensembles und gegen den Verlust von Wohnraum zu kämpfen. Nach jahrelangem Ringen endet ‹Das Trauerspiel um Mannesmann› – so ein zeitgenössischer Kommentar – im November 1979 mit dem Abriss von fünf historischen Gebäuden.
Das Stadtmuseum Düsseldorf nimmt dieses wichtige Kapitel der jüngeren Stadtgeschichte, das den Besucher mit wesentlichen gesellschaftlichen Fragen konfrontiert, die auch heute, fast 40 Jahre nach Abbruch der Häuser, nichts an Aktualität eingebüßt haben, umfassend in den Blick. Entsprechend dem Verlauf der Ereignisse und der emotionsgeladenen Sprache in der damaligen Auseinandersetzung ist die Präsentation in Anlehnung an das klassische Drama in fünf Akte gegliedert.

Pflanzen leuchten. Immer dann, wenn lebendige Pflanzen von Licht beschienen werden, strahlen sie ein schwaches rotes Leuchten ab. Diese Chlorophyll­fluoreszenz ist ein Phänomen, das während der Photosynthese auftritt und Pflanzenforschern direkte Einblicke in die Biochemie der Pflanzen ermöglicht. Dieses spannende Signal kann man nicht nur im Labor, sondern mit passenden Methoden auch unter freiem Himmel und sogar vom Flugzeug oder Satelliten aus messen.

Studierende des Studiengangs Exhibition Design und das edi–Exhibition Design Institute der Hochschule Düsseldorf entwickelten die Ausstellung unter wissenschaftlicher Leitung des Forschungszentrums Jülich, Institut für Pflanzenwissenschaften (IBG-2).

Die Ausstellung im Botanischen Garten der HHU gewährt dem Besucher spannende neue Sichtweisen auf lebende Pflanzen und macht das geheimnisvolle Leuchten mit bloßem Auge sichtbar. Über mehrere Stationen durchwandert der Besucher das Gewächshaus und erlebt, was Pflanzen für die Menschheit bedeuten und wie die Fluoreszenz, ausgesandt von winzigen Chloroplasten, Informationen über den Zustand der Vegetation ganzer Landschaften geben kann.

Das Symposium «entweder oder. sowohl als auch. dazwischen. – thesen zum neuen ausstellen.» erlaubte einen Blick hinter die Kulissen der aktuellen Ausstellungsszene. Mit Beiträgen von Kuratoren, Architekten, Gestaltern und Wissenschaftlern lud das edi—Exhibition Design Institute der Hochschule Düsseldorf zusammen mit dem NRW Forum zur Diskussion über den Status quo des Ausstellens ein.

Begleitend zum Event wurde im Rahmen eines Workshops am edi—Exhibition Design Institute eine zwei- und dreidimensionale Rahmengestaltung entwickelt. Gemeinsam wurden die wichtigsten Aspekte des Ausstellungsmachens zusammengetragen und mit Hilfe der titelgebenden und ebenso wohlklingenden Konjunktionen ‹entweder oder›, ‹sowohl als auch› und ‹dazwischen› Thesen erarbeitet, mit denen die Besucher des Symposiums, hauptsächlich Fachpublikum, konfrontiert und zur Selbstreflexion animiert werden sollten. Die räumlichen Installationen waren bewusst assoziativ und künstlerisch geartet und boten gleichermaßen Raum für Interpretation und Spekulation. Zum Einsatz kamen vor allem Readymades, die durch ungewöhnliche Kombinationen und im Kontrast zu den großflächig projizierten (Anti-)Thesen ihre Wirkung entfalten konnten.

Der Exhibition Design Reader fasst die wichtigsten Texte und Publikationen zum Thema Ausstellung in einem Kompendium zusammen. Die Bandbreite reicht von klassischer Ausstellungstheorie, über Handbüchern zu Museologie und Kunstvermittlung sowie Praxisleitfäden für Gestalter bis hin zu Sammelwerken der aktuell besten Ausstellungen weltweit. Der Reader zeigt die 141 wichtigsten Titel sortiert nach Titeln, Covern, Klappentexten und Verlagsangaben.

Das Ausstellungsmachen ist ein noch verhältnismäßig junges Medium. Die gesteigerte Nachfrage nach theoretischer Auseinandersetzung setzte erst zögerlich mit dem Museumsboom in den 80er Jahren des 20. Jahrhunderts ein. Der Beruf des Ausstellungsgestalters ist erst einige wenige Jahre etabliert und auch dazugehörige, berufsvorbereitende Studiengänge sind in ihrer Zahl bisher überschaubar. Erste belegbare soziologische und philosophische Erkenntnisse im Hinblick auf Wahrnehmung, Ästhetik und Ethik, Raum und Kommunikation gehen hingegen bis weit in die Antike zurück. Der Reader soll ein Standardwerk für Architekten, Designer, Wissenschaftler, Kuratoren und Soziologen darstellen.

Anlässlich des Grand Départ der Tour de France und des 200. Geburtstags des Fahrrads wurde die Sonderausstellung "Fahrradgerechte Stadt" im Stadtmuseum Düsseldorf konzipiert.

50 ausgewählte Exponate aus Deutschlands größter Privatsammlung historischer Fahrräder des Sammlers Harry Schönrock wurden in den Räumlichkeiten der Dauerausstellung in Szene gesetzt.

Ausgestellt wurden Exponate wie das erste Laufrad von Karl von Drais, Dokumente der städtischen Verkehrsplanung in Form von Plänen, Fotos und Videos, sowie historische Tour de France Plakate.

Ein besonderes Highlight war die Entwicklung des Fahrrads in direktem Kontext zur Stadtgeschichte Düsseldorf – etwa die Gegenüberstellung einer autogerechten Stadt der 1950er Jahre gegenüber der Radnutzung.

Der BDA loste einen Preis für die herausragendsten Entwürfe der Studierenden der PBSA zur Thematik der fahrradgerechten Stadt aus.

Europa hat es derzeit nicht leicht – die Medien zeichnen ein düsteres Bild und viele politische Entscheidungen tragen nicht immer dazu bei, die EU beliebter zu machen. Angesichts der steigenden Zahlen europafeindlicher Rechtspopulisten, des Brexits und autokratischer Politiker scheint die Liste mit Punkten, die zu Skepsis gegenüber Europa führen, lange fortgesetzt werden zu können.
 
Doch auf der anderen Seite steht eine Gruppe von Studierenden aus dem interdisziplinären Master-Studiengang Exhibition Design, die glücklich sind, in ein Europa hineingeboren worden zu sein, in dem es seit Jahren keine Kriege gab, in dem man ohne Grenzkontrollen in andere Länder reisen kann – und auch Studienaufenthalte durch Programme wie etwa ERASMUS (das kürzlich sein 30-jähriges Bestehen feierte) ohne bürokratische Hürden möglich sind. 

Die Studierenden haben sich mit jeweils einem der „Pfeiler“, die Europa ausmachen – zum Beispiel Kultur, Bildung oder Wirtschaft – beschäftigt und zeigen Flagge für Europa. Gemeinsam mit internationalen Freunden als Diskurspartnern haben sie auf Ständern aufgestellte Boxen entworfen, die auf den Außenseiten kurze Slogans wie Demonstrationsparolen zeigen. Im Inneren der Boxen finden sich dann Texte, die die zunächst provokanten Thesen auf eine fundiert recherchierte und inhaltlich substanzielle Weise mit Hintergrundinformationen füllen.           

Neun junge Europäer/innen denken somit mit ihren neun Positionen Europa positiv nach vorne und beleuchten den Gesellschaftsverbund auf unterschiedliche Art und Weisen.

Der Communication Playground abstrahiert extreme Raumstrukturen und vereint sie in einem neuen architektonischen Element. Die Micro-Architektur ist ein Raum für Kommunikation und geht so auf einen wichtigen Anspruch moderner Arbeitsräume ein.

Es ist faszinierend, welche Formen und Strukturen bei Pflanzen, in einem anderen Licht oder durch einen veränderten Blickwinkel, zu sehen sind. Beeindruckend viele übersehene Details lassen sich extrahiert, in Einzelteile zerlegt oder in den Fokus gerückt, erkennen.

Unter Anwendung verschiedener Darstellungstechniken habe ich ästhetische Pflanzenphänomene, insbesondere Formen und Strukturen, intensiver herausgearbeitet. Eine experimentelle Herangehensweise war hierbei für mich zielführend. Darüber hinaus habe ich mich durch eine Recherche mit dem Thema Naturformen und allgemeine Formenfaszination befasst. Die inhaltliche Untersuchung hat mir bewusst gemacht, wie global eine Begeisterung für harmonische Formen ist und nicht nur persönlichem Interesse entspringt. Für mich stand deshalb fest, die zum Vorschein gebrachten Pflanzenformen und -strukturen als Ausstellung zu zeigen. Meine Absicht war, Andere für die Vielzahl an übersehenen ästhetischen Strukturen und Formen bei Pflanzen zu sensibilisieren und deren Interesse zu wecken. Mein Entwurf ist die Gestaltung einer sowohl sinnlich-, vor allem aber, experimentell erfahrbaren Ausstellung, in der übersehene Pflanzenformen und -strukturen wiederentdeckt werden können.

Auf der Suche nach den Ursprüngen des Ausstellens entsteht eine Auseinandersetzung mit weltlichen Ritualen als frühe Medien der Wissensvermittlung, welche besonders durch performative und körperliche Erfahrungen gekennzeichnet sind.

Inspiriert von den materiellen Inszenierungen dieser Rituale, ihrer Erfahrbarkeit, Bedeutung und Gestaltung, entstehen neu zitierte Ritualobjekte, die uns helfen den zunehmend undurchsichtigen Alltag greifbarer zu gestalten – sinnliche Werkzeuge.
Auf den ersten Blick irritierend und aufmerksamkeitserregend stellen die Ritualobjekte kurze Unterbrechungen in unserem gewohnten Tagesablauf dar. Sie regen zur sinnlichen Interaktion an, lassen uns in Kommunikation mit unserer Umwelt und uns selbst treten und ermöglichen es eigene Rituale zu entwerfen.

Im Mittelpunkt steht die Materialität. Die Objekte wollen angefasst werden. Textile Schmuckobjekte, welchen in der Menschheitsgeschichte durchweg eine rituelle Bedeutung zukommt, werden neu kontextualisiert. Die Serie entstand in Zusammenarbeit mit der Firma Borrmann Posamente, einer der letzten Posamenten-Manufakturen in Deutschland. In der Benutzung der Ritualobjekte entstehen performative Handlungsmuster, sich wiederholende Bewegungen und Berührungen – Gesten, die entweder intuitiv oder absichtlich geschehen.

Durch unsere Interaktion und Formung transportieren die Objekte einerseits unsere Gefühle, Wahrnehmungen und Ausrichtungen in den Raum, andererseits wirken sie auf uns zurück und beeinflussen unser Handeln. Dieser kommunikative Kontext bewegt sich zwischen Sichtbarmachung, Struktur, Intuition, Erinnerung, Raumaneignung, Konzentration und Unerwartetem.

Verwobene Geschichte*n erinnern uns daran, dass eine tolerante interkulturelle Gesellschaft keine Selbstverständlichkeit ist. Sie stellt Fragen über unsere eigene Identität und den Umgang mit marginalisierten gesellschaftlichen Gruppen. Diese Geschichten finden bislang wenig Beachtung. Und doch sind sie wichtig, um die Komplexität und Vielschichtigkeit von Geschichte und damit auch jene unserer Gegenwart besser zu verstehen. Doch wie können Geschichten erzählt werden, die vergessen oder verdrängt wurden? Können die Verwobene Geschichte*n in ihrer Komplexität eine räumliche Konfiguration finden? Oder geht es viel mehr darum einzelne Aspekte, Geschichten und Erzählstränge offen zu legen und miteinander zu verknüpfen?

Für das Leben in der Vorstadt ist die Mobilität von großer Bedeutung. Hierbei zählt vor allem das Auto zu einem der wichtigsten Fortbewegungsmittel, um vom Eigenheim in die Stadt zu gelangen. Die Beziehung des Besitzer zu seinem Fahrzeug findet dabei in vielerlei Form Ausdruck und reicht von völliger Gleichgültigkeit bis hin zum kuriosen Fetisch.

Mit dem Besitz eines oder mehrerer Fortbewegungsmittel geht gleichzeitig die Frage nach einem geeigneten Stellplatz einher – meist in unmittelbarer Nähe zum Eigenheim. Eine bevorzugte Unterbringung ist die Garage oder das Carport. Diese sind Konstruktion, Schutz, Ausdruck von Gestaltung und Lebensstil, sind Innen- wie Außenraum und von baurechtlicher Relevanz.

Die Ausstellung «Vorstadt Ausstellen – Automobile Wohn(t)räume: Carports in Suburbia» präsentierte Ergebnisse eines interdisziplinären Projektes von Studierenden des Exhibition Design Institutes der Hochschule Düsseldorf und der Westfälischen Wilhelms-Universität Münster.

Die Ausstellung „you get back exactly what you put in“ soll die Haltung und das Gefühl vermitteln, welches das Fixed Gear Fahren besonders macht. Es werden sechs Fixed Gear Fahrer/Innen gezeigt, die über ihre Motivation erzählen, das besondere Fahrgefühl beschreiben, über Erfahrungen und von möglichen Lektionen berichten, die das Fahren für das Leben mit sich bringt. Sie reden über Ängste und Verletzungen. Sie beschreiben die Szene und den Charakter ihrer Traumstadt.

Sortiert nach Inhalten, wird das Material in der Ausstellung zu einer filmischen Collage. Der Rezipient befindet sich inmitten einer Installation aus filmischen Interviews im Wechsel mit ergänzenden, illustrativen Inhalten. Der ununterbrochene Rhythmus des Starrgang Fahrens wird dramaturgisch in die Ausstellung übersetzt. Die Form eines Kreises lässt zunächst keinen Anfang und kein Ende zu. Insgesamt sechs Projektionen teils heterogener Flächen ergeben ein horizontales Band im Raum, die Ausstellungsobjektesind gleichzeitig die Inhaltsträger. Der Besucher entscheidet, ob er zunächst die textliche Einführung liest, sich einen der Filme anschauen möchte oder eine Fotografie, welche die Fahrradteile des Antriebs zeigt. Da alle Filme ähnlich einer arrangierten „Performance“ im Loop laufen, hat er alternativ die Möglichkeit, den Stimmen zu folgen. Hört eine Filmsequenz auf, beginnt die nächste an einer anderen Position.

Von April bis Dezember 2015 fand in Kooperation mit dem NRW-Forum Düsseldorf die monatliche Veranstaltungsreihe 1UP – das Live-Magazin für Ideen statt. Angelehnt an das Pecha Kucha Format wurde Autoren, Künstlern und Kreativen eine Plattform für Präsentation, Performance oder Lesung zu Themen aus Technologie, Digitalkultur, Kunst, Wissenschaft, Business und Design geboten. Jede der neun Ausgaben wurde von Studierenden des Masters Exhibition Design sowohl in Print- und Online-Medien gestaltet als auch räumlich inszeniert. Zudem trug das Exhibition Design Institute mit ausgewählten Beiträgen zur inhaltlichen Gestaltung des Formats bei.

In Anlehnung an Walter Gropius berühmtes Zitat «Gestalten heißt: in Fesseln tanzen» rückt der Messeauftritt ‹dancing on a tightrope› junges Schmuck- und Produktdesign aus Düsseldorf in den Fokus – neue Gestaltung auf dem schmalen Grat zwischen Kreativität und Kommerz. Ganz im Sinne von Lehre und Forschung am Fachbereich Design der Hochschule Düsseldorf, Applied Art and Design, werden die Grundelemente Form, Farbe, Materialität und Abstraktion auf alle zwei- und dreidimensionalen Medien gestalterisch übersetzt.

Dem rauen, industriellen Charme der alten Westergasfabriek in Amsterdam wird bewusst eine reduzierte Rauminszenierung mit starken Licht- und Schatten Kontrasten, klaren Linien und grauen, fast schon wie Beton wirkende, matte Oberflächen gegenüber gesetzt. Die kupferfarbende Lineatur überzieht die gesamte Wandfläche und wird durch die Tischgestelle in der horizontalen Ebene wieder aufgegriffen. Die Gestelle in drei verschiedenen Höhen und Tiefen ermöglichen durch effizientes ineinander verschachteln einen platzsparenden Transport. Ergänzend zur räumlichen Gestaltung entstand ein Katalog, zu dessen Bebilderung eigens für die Messe eine komplette Fotostrecke in dezentem Schwarz/Weiß abgelichtet wurde. Die farblose Bildwelt wird durch großzügige Typografie in der Sonderfarbe Kupfer kontrastiert.

Im Fokus der Ausstellung „Die Sprache der Dinge – Vom Immateriellen im Objekt“ steht die Wertentstehung von Dingen in Bezug auf die Beziehung zwischen Mensch und Objekt. Sie erläutert dem Besucher auf interaktive Weise, warum bestimmte Gegenstände zu Lieblingsgegenständen werden.

Der Besucher wandelt zunächst durch eine reine Dingwelt. Auf den zweiten Blick erkennt er eine Sortierung: Dinge, die weiter vorne hängen scheinen hochpreisiger zu sein. Solche, die weiter unten hängen, gehören vermutlich Kindern. Auf den Raumwänden entdeckt er handgeschriebene Zitate. Nähert er sich diesen, löst er eine Projektion aus. Eine Person kommt auf ihn zugelaufen und berichtet von ihrem Lieblingsgegenstand. Im Laufe der Erzählung wird der Gegenstand durch ein Licht fokussiert und hebt sich dadurch von den weiteren Objekten ab. Die inhaltliche Bedeutung des Gegenstandes wird damit auch optisch verdeutlicht.

"Essen ist ein Kommunikationsmittel, das sich über Gehälter, Alter und Geschlechter hinweg setzt. Vor allem, wenn sich die Abfolge aus Vor- und Zubereitung und Essensaufnahme auf die Straße verlagert und jeder daran teilhaben kann. Hier sind wir, ohne eine andere Kontextualisierung des Individuums, alle gleich.Immer sind die Aufbauten auf den persönlichen Aktionsraum der Betreiber angepasst. Körperlich bedingte Abläufe und Gewohnheiten spielen in der Form des Verkaufsstandes ebenso eine Rolle, wie die Abläufe des Kochvorgangs und der Warenpräsentation.

Die Ausstellung befasst sich mit der Formsprache der mobilen Essensstände und bricht deren optische Vielfalt auf eine universelle Urform herunter.Das Ausstellungslogo und der Einführungstext, beide handgemalt, begrüßen die Besucher. Die Themen „Hintergrund“, „Zukunft“ und „Urform“ führen im Uhrzeigersinn durch die Ausstellung. Diese Hintergrundinformationen sind auf A5 Blöcken angebracht, so dass die Besucher sich in individuellem Tempo tiefer mit dem Thema befassen können.

Die einzelnen freigestellten und explosionsartig abgebildeten Stände sind nach den Kriterien Einnahme des Raumes, visuelle Attraktoren und Komplexität des Gebauten sortiert und aufgehängt. Die Schauplätze der Stände sowie Herkunftsland und Fotograf befinden sich auf den Rückseiten der raumteilenden Säulen. Alle fotografischen Ausstellungsstücke sind an die Wände tapeziert. Die unterschiedlichen Anbringungen der Elemente unterstreichen den improvisierten Charakter der Street Food Stände. Die zwei Leuchtinstallationen in der Mitte jeden Raumes symbolisieren, in Anspielung auf die Ideenlehre Platons, das Urbild aller Verkaufsstände. Sie erleuchten als einzige Lichtquelle die Ausstellung."

Die Ausstellung Ethno Cinéma Vérité — Hidden Music Rituals zeigt einen Teil des dokumentarischen Filmarchivs vom Französischen Filmemacher Vincent Moon. Aufgemacht als eine Retrospektive über die letzten fünf Jahre seiner Arbeit, wird diese in zwei Räumen auf Rückwandprojektonsflächen sichtbar sowie hörbar gemacht und über den Zeitraum der Austellungsperiode werden programmatisch Einblicke in unterschiedliche Musik und Geseänge von diversen Kontinenten und Kulturen gezeigt. Die Besucher der Ausstellung bekommen so die Möglichkeit in das Werk von Vincent Moon einzutauchen und können sich bei Interesse auf verschiedenen Textebenen in die Herangehensweise und Einstellung des Filmemachers vertiefen.

Was vor Jahren Museumsbesucher lockte und fesselte, scheint heute ins Leere zu greifen. Die meisten Museen sind mit ihrem Angebot und ihrer Ansprachestrategie auf eine veraltete Zielgruppe eingestellt. Es ist an der Zeit für eine offensive ‚neue museale Selbstinszenierung‘.

Die Box ‚Makeover Museum‘ ist eine einzigartige Ideensammlung und ein innovatives Arbeitstool, welches jedem Kulturschaffenden ermöglicht, sein Museum wieder neu und erfolgreich in der Gesellschaft zu positionieren. Die Erstausgabe umfasst eine Ideensammlung von 43 Ideen. Diese neuartigen Denkanstöße und Strategievorschläge wurden nach grundlegender Problemanalyse entwickelt, sodass sie gezielt auf die aktuellen Missstände reagieren.

‚Makeover Museum‘ – Kultur-Revolution!

Maya Writing System

An Exhibition about the Maya Writing System.

Was wäre, wären wir nicht allein? Das Theater der Welt bringt Schauspiel aus unterschiedlichsten geografischen, politischen und sozialen Winkeln der Welt nach Mannheim, um gemeinsam die Stadt neu zu erfinden. Aber was wäre, wenn jemand käme, mit dem wir bisher nicht gerechnet haben? Als guter Gastgeber möchten wir, dass die Besucher sich wie zu Hause fühlen.

Die jahrzehntelange Recherche und Archivierung von UFO-Sichtungen und -Abstürzen durch den Mannheimer Ufologen Werner Walter vom „Centrales Erforschungsnetz Außergewöhnlicher Himmelsphänomene“ haben es uns ermöglicht, die Trümmer von fehlgeschlagenen Landungen zusammenzutragen, um daraus eine außerirdische Heimat zu reproduzieren – ein interstellares Hotelzimmer. Wir nennen es das #whoofo. Und sollte der unerwartete Besuch wie erwartet ausbleiben, ermöglicht der fremde Raum uns menschlichen Besuchern einen Perspektivwechsel auf den eigenen Planeten.

Organisiert werden die gebrauchten Materialen von ortsansässigen Schrottplätzen & Holzwerkstätten. Auf Grund der Ähnlichkeit mit Kornkreisen stellt der Friedrichsplatz für uns die perfekte Landebahn dar. Dies lässt die Nacht im Hotel #whoofo mit sternenklarem Kuppelblick zu einem unvergesslichen Erlebnis werden.

Rückblickend, vorausschauend, analytisch und reflexiv befasst sich die Masterarbeit „Ausstellungskultur“ mit der Disziplin des Ausstellens. Neben den professionsimmanenten Herausforderungen, steht der Rezipient im Fokus. Dabei spannt sich der inhaltliche Bogen von der Ausstellungspraxis und -theorie über unkonventionelle Formate bis hinzu Positionen gegenwärtiger Akteure – angereichert mit Ausführungen zur Kulturgeschichte und der menschlichen Wahrnehmung. Die umfassende Dokumentation bildet die Grundlage für drei neu entwickelte Formate, die unsere Erkenntnisse und unseren Standpunkt vermitteln.

1. SHOW us. Das Magazin zum Ausstellen: poetisch, wissenschaftlich und vernetzend.
2. SHOW it. Der Blog: Plattform für aktuelle Ausstellungslandschaft: besprechend, dokumentierend, augenblicklich.
3. SHOW you. Der Fächer: Ausstellung anders begehen, wahrnehmen und besprechen.

Ergänzend dazu gab es eine Übertragung der Ergebnisse in eine räumliche Installation.

Die als sieben Todsünden bezeichneten Laster Habgier, Zorn, Neid, Völlerei, Wollust, Hochmut und Trägheit beschreiben anthropologische Konstanten, die menschliches Verhalten reflektieren und als Destillat archetypischer Charaktereigenschaften auch eigene Handlungsweisen beschreiben. Im Rahmen des Exhibition Design Masterstudios fand in Kooperation mit dem Jungen Schauspielhaus Düsseldorf ein Projekt zum Thema „Die Sieben Todsünden“ statt. 

Innerhalb weniger Wochen wurde gemeinsam mit jugendlichen Straftätern und unter künstlerischer Leitung von Bianca Künzel und Alexander Steindorf ein Schauspiel für den öffentlichen Raum erarbeitet, das die Jugendlichen zu einer Auseinandersetzung mit Themen der Gerechtigkeit, Verantwortung und Schuld bewegte.

re.lab ist eine Ausstellungsfläche auf der Euroshop 2014 für den neuen Studiengang Retail Design der Fachhochschule Düsseldorf. Inhaltlich ist die Architektur mit studentischen Arbeiten zum Thema Retail Design, einem Gastronomiebereich, einem Bühnenbereich für verschiedene Vorträge und Awardverleihungen, so wie einen Bereich für Sponsoren und Förderern gefüllt.

Das architektonische- und gestalterische Ziel, ist es einen Marktplatz der Kommunikation zu schaffen, der einen temporären und wiederverwertbaren Charakter aufweist. Die wichtigsten Punkte der Konzeption sind Kommunikation, Wandelbarkeit, Modularität so wie die verwendeten Materialien und der visuellen Ästhetik in der Gestaltung der Messearchitektur.

Die Module stellen somit die einzelnen Marktstände dar, welche nebeneinander aufgereiht stehen. Die Freiflächen bilden eine Art Gasse zwischen den Marktständen. Ausstellungs- und Präsentationsflächen werden in die Architektur integriert. Die Architektur dient als Bühne und wird gleichzeitig Teil der Inszenierung. Die einzelnen Rahmenmodule bestehen aus jeweils 4 Elementen und werden durch Spanngurte zusammengehalten.

In Zusammenarbeit mit dem Goethe Museum Düsseldorf wurde eine Ausstellung über Goethes stellenweise autobiografischen Briefroman »Die Leiden des jungen Werthers« (1774) entwickelt. Die Ausstellung wurde aus der Perspektive des sich mit dem Protagonisten identifizierenden Lesers aufgebaut. Anhand der Exponate sollen unterschiedliche Zeiten und Räume miteinander in Beziehung gesetzt werden, es ergeben sich Wirklichkeitsbezüge zwischen Wirkung und Bewertung des Romans und der Biografie Goethes.

Im Vordergrund steht die optische und auditive Vermittlung der Inhalte, die sich nach einem einem atmosphärischen Einstieg über die „Natur“-Ebene (Sounddusche) in der Vermittlung des Romaninhalts über 6 Schlüsselexponate zeigt. Die Erstausgabe des Romansbildet das  räumliche und inhaltliche Zentrum.

Ein Wettbewerb des Great Expactations Award „The Nature of Things: Material and Immaterial Developments of Interiors within a Globalized Reality“ von FRAME, Marres – House for Contemporary Culture, und NAiM/Bureau Europa. 

Die Studenten der Fachhochschule Düsseldorf entwickelten auf 200 m2 der leerstehenden ersten Etage des Maastrichter Hauptbahnhofes die szenografische Intervention „Co:Space – a new way of combining work, life, communication and socialization“: ein Parcours, der die strikte räumliche Trennung von Arbeit und (sozialem) Leben hinterfragt bis spielerisch aufbricht. Die Jury verlieh dem Co:Space-Team den zweiten Preis.

Co:Space Work in Progress

Im Museum der Stiftung Naturschutzgeschichte soll das Treppenhaus, das die zweistöckige Ausstellung verbindet, gestaltet werden. Ziel ist es, durch eine emotional-atmosphärische Umsetzung dem Besucher einen Moment der Ruhe zu schenken, bevor er sich den weiteren Teil der Ausstellung im zweiten Obergeschoss ansieht.

Die Installation simuliert den Lichteinfall der Sonne und somit auch den Schattenwurf des sich bewegenden Laubes auf den Treppenstufen. Diese Inszenierung wird akustisch untermalt durch Wald- und Vogelgeräusche.

Die Ausstellung zeigt Arbeiten von Studenten des Fachbereichs Design der Fachhochschule Düsseldorf, die sich mit Sound und Bewegung beschäftigen. Zu sehen sind Videoprojektionen, Objekte und interaktive Anwendungen, in denen Töne, Bilder, Gesten und Bewegungen zerlegt, transformiert und neukombiniert werden. Anja Vormann und Gunnar Friel haben die Ausstellung kuratiert. Die Ausstellungsarchitektur wurde in Anlehnung an die gegebene Kulisse im Tanzhaus NRW entwickelt. Die Sockel und Podeste erinnern an Transportboxen für Technik und sonstiges Equipment.

Bei der Bewältigung von komplexen Gestaltungsprojekten bedarf es mehr, als einer rein gestalterischen Fähigkeit. Es gibt viele verschiedene Arten von Gestaltungsaufgaben, jeweils verbunden mit einem individuellen Projektprozess.

Dieses Buch ist das Ergebnis einer knapp zweijährigen Forschungsarbeit über den Projektprozess von Gestaltungsaufgaben. Es zeigt meine Erkenntnisse einer Auseinandersetzung mit der ganzheitlichen Betrachtung des Gestaltungsprozesses. Es versucht Strukturen aufzudecken, die in solchen Komplexitäten herrschen. Dabei richtet sich der Blick primär auf den strukturellen Aufbau und die tiefer liegenden Abläufe zu Phänomenen aus den Thematiken: Wie können wir uns besser organisieren? Wie können wir einen menschlichen Umgang erhalten? Wie können wir besser miteinander reden? Wie können wir unsere Gestaltungsprozesse besser koordinieren und leiten? Wie können wir uns besser verstehen?

Ziel ist es nicht bloß aufzeigen, was sich hinter dem schönen Schein heutiger Gestaltungsleistungen verbirgt, sondern Anreize für mehr Sensibilität zu schaffen. Durch Transparenz zum Umdenken aufrufen. Den Fokus neu zu setzen. Diese Arbeit ist das Ergebnis meiner Master Thesis und hatte ihre empirische Grundlagenforschung in der Werkkonferenz 2013.

„Klangidentität. Oder wie das Leben einer Widerstandskämpferin klingt“

In der Master-Thesis wird die Methode der auditiven Vermittlung in Ausstellungen sowie die daraus resultierenden Auswirkungen auf die Rezeption und das Erleben von Inhalten erforscht, die durch den Einsatz von Musik und Klängen vermittelt werden.

In der experimentellen Ausstellung wird das Leben der dominikanischen Widerstandskämpferin Minerva Mirabal (1926-1960) klanglich in drei Abschnitten (Kindheit, Widerstand, Tod) inszeniert. Die Kompositionen sind in drei Klangskulpturen aus OSB zu hören, die durch ihre Formsprache die Körperhaltung für die Rezeption vorgeben. Durch die leibliche Wahrnehmung wird die akustische Ebene unterstützt. Verteilte Flugblätter liefern vertiefende Informationen.

Eine Markeninszenierung für das Musiklabel DESOLAT zum Einsatz auf Musik-Festivals, in Clubs oder Ausstellungen. Neben der Vermittlung der musikalischen Welt des Labels steht vor allem die Heranführung der Besucher an das klassische DJ-Handwerk mit analogen Schallplatten im Vordergrund. Im Inneren eines halbrunden kinetischen Pavillons aus ca. 250 Schallplatten können Besucher unter Anleitung selber Vinyls mixen. Neben diesem Live-Erlebnis im "Vinyl Dome" lässt sich auch tiefer in die Welt des Labels eintauchen:  Die "Desolat Display Machine DDM01" ist ein Hybrid-Objekt zwischen Jukebox und Vitrine mit der optischen Anmutung eines elektronischen Musikinstruments. Sie bietet Original-Exponate der Label-Geschichte, Videos, Info-Displays, einen DJ-Filter, Plattencovers und ca. fünf Stunden Musikmaterial von DESOLAT.

Das Thema der Werkkonferenz 2013 sind Grenzgänge der Gestaltungsdisziplin. Auf der Suche nach dem Potenzial, den Grenzen und einem erweiterten Erfassen der eigenen Profession, findet eine Begegnung mit Gestaltern statt , die ihr erlerntes Handwerk souverän anwenden, aber darüber hinaus unbefangen in andere Professionen übertragen.

Es wird eingeladen zum Grenzgang – zur Inspiration, Verknüpfung und Verschmelzung. Die Besucher werden dabei Teil eines außergewöhnlichen Experimentes. Das Team der Werkkonferenz lädt Experten aus ihnen fremden Disziplinen ein, um miteinander gemeinsame Themen und Fragestellungen zu erörtern. Es stoßen nicht nur zwei unterschiedliche berufliche Milieus aufeinander, sondern auch zwei unterschiedlich geschulte Denkapparate. Die Workshop-Teilnehmer, Vortags- und Ausstellungsbesucher werden selbst zum partizipierenden Grenzgänger. Aus der Werkkonferenz entlassen werden selbstbewusstere Gestalter, die sich dem Morgen stellen, Gestaltung als Haltung verstehen und die für und mit den Menschen an neuen gesellschaftlich relevanten Lösungen arbeiten.

Anlässlich einer Master-Abschlussarbeit, wird in einer Aneinanderreihung charakteristisch unterschiedlichster Räume im Keller des WDR Archivhauses Köln, das Thema Einsamkeit aus wörtlicher, evolutionärer, entgegengesetzter, erzwungener, mystisch spiritueller, kulturell religiöser, schriftlicher, gefühlvoll aufgeklärter, künstlerischer, persönlicher, soziologischer und psychologischer, emotionaler, lösungsorientierter und modern kommunikativer Sicht betrachtet, mit Exponaten angereichert und in Einklang der Raumfolge inszeniert.

Salon Sehnsucht Vol. 1

Eine raumbildende und performative Inszenierung von Texten und Gedanken zu Sehnsüchten.

Ein LIVE-Trailer, eine Performance, ein Mikro-Festival im städtischen Kontext.

Theorie: Festival Kosmos 

Praxis: Salon Sehnsucht

Paradox Island –
Eine Generation auf der Suche nach ihrem Paradies

Wankend zwischen Freiheit und Bindung, Mobilität und Sesshaftigkeit, wollen wir Beständigkeit im Unbeständigen. Moralisch zerrissen vom mächtigen Reich der Vernunft auf der Einen und den süßen Verlockungen des fernen und mystischen Absurdistans auf der anderen Seite, treiben wir zwischen Burn-Out und Blitzkarriere umher. Wir zelebrieren im Rausch des Schönheits- und Jugendwahns die Weisheit der Alten, wachsen gezwungenermaßen über uns hinaus, wünschen uns aber doch irgendwie einen maßgebenden Rahmen. Wir erfinden uns je nach Gegebenheiten neu, werden Züchter unserer Alter Egos und präsentieren in Abhängigkeit von der beurteilenden Jury die ausdrucksstärkste Katze in uns.

Wir befinden uns in einem permanenten Online-Modus, sind in virtuellen sozialen Netzwerken zuhause und durch unsere Smartphones, Notebooks und diverse Clouds nicht mehr ortsgebunden, sondern weltweit vernetzt und aktiv. Mediale Kommunikation 24/7 - arbeiten können wir von überall. Wir reisen mit leichtem Gepäck, schlagen unsere Zelte dort auf, wo es uns gefällt und bleiben solange wir wollen oder man es beruflich von uns erwartet. Dann, zu gegebener Zeit, ziehen wir weiter.Von manchen als Techno-Beduinen oder urbane Nomaden betitelt, wandern wir umher, auf der Suche nach uns, nach dem Leben, nach einer Identität mit vielen Schatten. Wir befinden uns auf einer Jagd nach Abenteuern und Überraschungen. Wir sind virtuell verortet aber physisch frei. Wir sind in festen Strukturen und bewegen uns doch ungebunden. Rastlos und wankelmütig von äußeren Einflüssen, Erwartungshaltungen und unseren eigenen innigsten Sehnsüchten.

Janna Rinck ,  Festival Kosmos, S. 7-8

Die Ausstellung beschäftigt sich mit der Zukunft der Innenarchitektur und thematisiert gegenwärtige Standpunkte zur Raumgestaltung. Begleitend zu dem Symposium Raumwandler werden Blickwinkel der lehrenden ProfessorInnen des Fachbereichs Architektur der PBSA beleuchtet, zum anderen werden zeitgenössische Raumprojekte präsentiert.

Die Absicht der Ausstellung ist, provokante Positionen zu beziehen, Fragen aufzuwerfen und zum Diskurs anzuregen. Es wird keine generelle Antwort gegeben - vielmehr werden anhand einer aktuellen Bestandsaufnahme und Interpretation zukunftsweisende Themen- und Thesenfelder gezeigt. Die konzeptionelle Grundidee der Darstellung ist dem Bild der Demonstration und des Protestes entlehnt. Dies zeigen Flugblätter, Protestbanner sowie auch die Ausstellungsarchitektur, die den Gedanken des Umbruchs und des Umsturzes visualisiert.

Das begehbare Tage- und Skizzenbuch eines fiktiven Forschers bildet den Ausgangspunkt für eine Themenreise durch die Kaukasus-Region und die Kulturen der skythischen und sarmatischen Reitervölker. Verschiedene Reisekoffer als Audio-Stationen, übergroße Porträts von Forschern und Sammlern, sowie ein stilisiertes Kaukasusgebirge sind Elemente der Gestaltung, die den Besucher auf die Spuren polnischer und deutscher Archäologen führt. Das komplexe archäolo­gische Thema wird multimedial aufbereitet und sinnlich erlebbar.